Na década de 1950, um filme provou que era suficiente para aumentar a tensão em uma história envolvente que se passava inteiramente em um único cômodo.
O que acontece em é que, enquanto os jurados iniciam suas deliberações, tudo é relativamente “aberto”: há espaço entre os personagens, há ar, há distância… e há uma certa civilidade. Mas, à medida que o filme avança e os argumentos se intensificam, nos leva cada vez mais para dentro desse espaço estreito e tenso com : aumentar progressivamente a distância focal.
E você, como espectador, sente o espaço encolher, a atmosfera ficar pesada, cada minuto parecer denso. Não é por acaso: é técnica pura e sem adulterações .
United Artists
O diretor trocou as lentes grande-angulares de 28mm por lentes mais teleobjetivas, de até cerca de 75mm. O resultado é uma perspectiva “comprimida” que dá a sensação de que as paredes estão se fechando. Você não vê o cenário mudar de tamanho, mas sente, .
Uma simples troca de lentes
O próprio Lumet explicou isso anos depois: ele queria que você, o espectador sentado na sua poltrona, terminasse se sentindo preso, assim como os personagens presos pela responsabilidade moral de decidir sobre a vida de um jovem.
O filme se tornou um manual vivo de como a mise-en-scène e o trabalho de câmera podem contar uma história sem dizer uma palavra. É um daqueles estudos de caso recorrentes em aulas de cinema. E há provas disso: o próprio Lumet explica em seu livro Making Movies que, desde o primeiro minuto, sabia que a câmera não deveria ser estática e “neutra”, mas sim um elemento emocional.
Na verdade, o filme é rodado quase inteiramente sem música. Tudo depende do ritmo, da respiração, dos olhares, de farejar cada brecha na mentira durante o julgamento. O uso de pontos focais complementa perfeitamente o arco dramático: a discussão começa como uma formalidade e termina em uma batalha moral de nível de campeonato que transforma o tribunal em um caixão sufocante.
Fonte: adorocinema
